Au lieu de simples vitrines présentant des artefacts poussiéreux, vous êtes littéralement transporté dans un tombeau reconstitué, baigné d'une lumière tamisée, avec des hiéroglyphes mystérieux projetés sur les murs et des chants funéraires antiques résonnant en sourdine. Cette expérience immersive et mémorable est le fruit d'une scénographie expositionnelle réfléchie et méticuleuse, allant bien au-delà de la simple présentation d'objets.
La scénographie expositionnelle est bien plus qu'un simple arrangement d'objets dans un espace muséal. C'est un art multidisciplinaire vibrant qui combine harmonieusement le design d'espace innovant, l'éclairage stratégique, le graphisme engageant, le sound design atmosphérique et l'interactivité intuitive pour créer une expérience narrative cohérente et véritablement immersive pour chaque visiteur. Son objectif principal est de donner vie au contenu parfois aride de l'exposition, de tisser un récit captivant et de transformer la visite en un moment inoubliable.
Il est absolument crucial de différencier la scénographie de la simple décoration. La décoration se concentre principalement sur l'esthétique et l'embellissement visuel de l'espace. La scénographie, en revanche, est avant tout un outil de médiation puissant, se mettant au service du contenu intellectuel et de la narration émotionnelle. Elle vise à faciliter la compréhension des thématiques complexes, à susciter des émotions profondes et à engager le visiteur de manière active, significative et durable. Par exemple, une exposition poignante sur la Grande Guerre pourrait recréer des tranchées boueuses, diffuser des sons de bombardements terrifiants et présenter des objets personnels émouvants pour créer une atmosphère poignante et transmettre avec force la réalité brutale du conflit.
L'importance de la scénographie muséale dans le paysage muséal contemporain est en constante et rapide augmentation. Les musées ne sont plus perçus comme de simples conservatoires d'objets anciens et précieux, mais comme des lieux dynamiques d'apprentissage immersif et de divertissement culturel où les visiteurs recherchent activement une expérience engageante, stimulante et mémorable. La scénographie d'exposition joue un rôle absolument crucial dans cette transformation profonde, en métamorphosant les expositions traditionnelles en de véritables spectacles narratifs interactifs. Le musée Guggenheim Bilbao, avec son architecture spectaculaire conçue par Frank Gehry, est un parfait exemple de la manière dont la scénographie contemporaine, tant intérieure qu'extérieure, peut attirer un public large, diversifié et international, tout en augmentant l'attrait touristique de la ville.
Nous analyserons également des exemples concrets d'expositions inspirantes qui repoussent les limites de la créativité et de l'innovation, et nous examinerons de près les défis persistants et les tendances émergentes qui façonnent l'avenir prometteur de cette discipline artistique en constante évolution. Les musées, grâce à la scénographie, se transforment en véritables conteurs d'histoires.
Les principes fondamentaux de la scénographie narrative
La scénographie narrative repose sur un ensemble cohérent de principes fondamentaux qui guident la conception créative et la réalisation technique d'une exposition immersive, captivante et mémorable. Ces principes clés se concentrent sur la définition précise du récit central, la création d'un environnement sensoriel immersif et la promotion active de l'interaction significative avec chaque visiteur.
Définir le récit : le point de départ de toute conception scénographique
La première étape essentielle et non négociable consiste à définir de manière claire, concise et précise le récit que l'exposition ambitionne de raconter. Cela implique d'identifier avec soin le message clé fondamental, de structurer la narration de manière logique et cohérente, et de définir avec précision le public cible de l'exposition. Sans un récit clair, cohérent et engageant, la conception scénographique risque de devenir confuse, inefficace et, en fin de compte, décevante pour le visiteur.
Identifier le message clé est absolument crucial pour orienter l'ensemble du processus de conception. Quel est le cœur de l'histoire fascinante que nous souhaitons partager avec le monde ? Quels sont les objectifs fondamentaux de l'exposition ? S'agit-il principalement d'éduquer le public, de susciter des émotions fortes, de provoquer une réflexion profonde et significative, ou d'inciter à l'action positive et transformative ? Par exemple, une exposition puissante sur le changement climatique dévastateur pourrait avoir pour message clé l'urgence absolue d'agir collectivement et individuellement pour protéger notre environnement fragile. Un objectif clair et mesurable pourrait être de sensibiliser le public aux causes souvent complexes et aux conséquences potentiellement catastrophiques du réchauffement climatique global.
Structurer la narration consiste à choisir avec soin une structure narrative appropriée et à créer un fil conducteur clair, intuitif et engageant pour le visiteur. La narration peut être chronologique, suivant l'évolution des événements dans le temps; thématique, explorant différents aspects d'un sujet; comparative, mettant en parallèle des idées ou des objets; ou suivre une autre structure inventive et originale. Le choix judicieux de la structure dépendra intrinsèquement du contenu spécifique de l'exposition et des objectifs précis visés. Une exposition captivante sur l'histoire riche de la photographie pourrait adopter une structure chronologique rigoureuse, en présentant de manière organisée les différentes étapes clés de son évolution technique et artistique. Une exposition stimulante sur l'art abstrait pourrait, quant à elle, adopter une structure thématique plus flexible, en explorant de manière créative différents courants et mouvements artistiques.
Définir le public cible est également essentiel pour garantir le succès de l'exposition. Il est impératif d'adapter la narration et la scénographie au profil précis et aux attentes spécifiques du public visé. Une exposition conçue pour captiver les enfants ne sera pas élaborée de la même manière qu'une exposition sophistiquée destinée à un public adulte averti. Il est crucial de prendre en compte avec attention l'âge, le niveau de connaissances préexistantes et les centres d'intérêt du public. Si l'exposition s'adresse à un public international et multiculturel, il faudra également tenir compte des différences culturelles subtiles mais importantes. Le musée du quai Branly - Jacques Chirac à Paris, par exemple, adapte fréquemment ses expositions pour répondre aux besoins diversifiés de différents publics, offrant des visites guidées personnalisées et des ateliers interactifs spécifiquement conçus pour les enfants et les familles. Ce souci du détail dans la scénographie pour musées permet de maximiser l'impact éducatif et émotionnel de l'expérience.
Créer un environnement immersif : engager les sens et les émotions
Un environnement sensoriel immersif est absolument essentiel pour captiver l'attention du visiteur et le plonger au cœur de l'histoire fascinante que l'exposition se propose de raconter. Cela passe nécessairement par l'utilisation habile et coordonnée de l'espace physique, de l'éclairage ambiant, du sound design immersif, de la musique évocatrice, des matériaux tactiles et des textures variées pour créer une expérience sensorielle riche, stimulante et engageante. L'objectif ultime est de stimuler activement les sens et les émotions profondes du visiteur afin de favoriser une meilleure compréhension cognitive et une mémorisation durable du message clé.
L'espace lui-même peut être utilisé comme un langage expressif et subtil. L'architecture globale, les volumes intérieurs et les circulations fluides peuvent guider intuitivement le visiteur à travers l'exposition tout en créant des ambiances spécifiques et adaptées à chaque section. Par exemple, un espace sombre, exigu et confiné peut évoquer efficacement un sentiment d'oppression psychologique, tandis qu'un espace lumineux, aéré et ouvert peut inspirer un sentiment de liberté et d'évasion. La hauteur impressionnante sous plafond d'un ancien bâtiment industriel désaffecté peut être astucieusement utilisée pour évoquer la grandeur et la démesure d'une époque industrielle révolue. Les circulations piétonnes peuvent être soigneusement conçues pour créer un parcours narratif cohérent, en guidant progressivement le visiteur à travers les différentes étapes de l'histoire fascinante.
L'éclairage est un outil puissant et polyvalent pour créer l'atmosphère souhaitée et mettre en valeur les objets exposés. Les différentes techniques d'éclairage disponibles, telles que l'accentuation ciblée, l'éclairage d'ambiance chaleureux et l'éclairage directionnel précis, peuvent être utilisées avec créativité pour créer des effets dramatiques saisissants, pour attirer l'attention du visiteur sur des objets spécifiques particulièrement importants, ou pour créer une ambiance particulière en accord avec le thème de l'exposition. La lumière dynamique, avec ses variations subtiles d'intensité et de couleur, peut être utilisée pour créer du suspense, rythmer les transitions narratives entre les sections de l'exposition, ou orchestrer des moments de révélation spectaculaires. Une exposition captivante sur l'impressionnisme français, par exemple, pourrait utiliser un éclairage doux et diffus pour recréer fidèlement l'atmosphère particulière des paysages ensoleillés peints par les artistes de ce mouvement.
Le son et la musique ajoutent une dimension émotionnelle et sensorielle profonde à l'expérience du visiteur. Des ambiances sonores authentiques, des musiques originales composées sur mesure, des voix off de narrateurs expérimentés peuvent être intégrées avec subtilité pour renforcer l'immersion sensorielle et enrichir la narration globale. Des expériences sonores interactives peuvent être proposées aux visiteurs, leur permettant de manipuler activement le son pour découvrir les différentes couches narratives et les subtilités de la composition musicale. Une exposition immersive sur la musique baroque complexe, par exemple, pourrait utiliser des extraits musicaux de haute qualité, des reconstitutions réalistes d'instruments d'époque et des témoignages passionnants de musiciens contemporains pour créer une expérience à la fois éducative et émotionnellement riche.
Les matériaux et les textures stimulent le sens du toucher et l'imaginaire fertile du visiteur. Le choix judicieux des matériaux est crucial pour évoquer des époques spécifiques, des lieux exotiques, des textures variées et créer une expérience tactile riche et mémorable. Des éléments tactiles, tels que des reproductions fidèles d'objets historiques ou des échantillons de matières brutes, peuvent être intégrés à l'exposition pour les visiteurs malvoyants ou non-voyants, enrichissant ainsi l'expérience de tous les participants. Une exposition immersive sur l'artisanat médiéval complexe, par exemple, pourrait proposer des reproductions d'objets en bois sculpté, en métal martelé ou en tissu brodé que les visiteurs peuvent toucher pour apprécier pleinement la qualité du travail manuel et la complexité de la conception. Le musée du Moyen Âge (Musée de Cluny) à Paris propose régulièrement des reproductions tactiles de certaines œuvres emblématiques pour les visiteurs malvoyants.
Interagir avec le visiteur : favoriser l’apprentissage et l’engagement
L'interaction directe et significative avec le visiteur est un élément clé de la scénographie narrative moderne. Il ne s'agit plus de se contenter de présenter passivement des objets sous vitrine, mais de proposer activement des expériences interactives stimulantes qui favorisent l'apprentissage actif, l'engagement émotionnel et la participation créative. Les dispositifs interactifs innovants, le design d'interfaces intuitives et la médiation humaine compétente jouent un rôle essentiel dans cette démarche pédagogique.
Les dispositifs interactifs peuvent prendre de nombreuses formes variées, allant des bornes tactiles informatives aux jeux éducatifs, en passant par les applications de réalité augmentée immersives et les projections interactives spectaculaires. Ils permettent au visiteur de devenir un acteur actif de l'exposition, en lui offrant des possibilités d'exploration personnelle, de manipulation concrète et de création collaborative. L'utilisation de la réalité augmentée, par exemple, peut permettre de superposer des informations numériques pertinentes au monde réel perçu par le visiteur, enrichissant ainsi considérablement son expérience de découverte. L'Exploradôme, un musée scientifique interactif situé en région parisienne, propose une multitude d'expériences interactives passionnantes qui permettent aux enfants et aux adultes d'apprendre les sciences en s'amusant.
Le design d'interfaces joue un rôle crucial dans l'efficacité globale des dispositifs interactifs. Les interfaces doivent être claires, intuitives, ergonomiques et accessibles à tous les publics, quels que soient leur âge, leur niveau d'éducation ou leurs capacités physiques. Il est particulièrement important de prendre en compte les besoins spécifiques des personnes handicapées, des enfants en bas âge et des personnes âgées. Des interfaces mal conçues peuvent rapidement frustrer le visiteur et nuire à son expérience. Le Centre Pompidou-Metz, avec son architecture audacieuse conçue par Shigeru Ban et ses expositions innovantes, accorde une grande importance à l'accessibilité universelle de ses espaces d'exposition et de ses contenus multimédias.
La médiation humaine compétente reste un élément essentiel de l'expérience muséale. Les médiateurs culturels professionnels jouent un rôle clé dans l'accompagnement personnalisé du visiteur et l'enrichissement de son expérience globale. Ils peuvent répondre à ses questions, lui fournir des informations complémentaires pertinentes et l'aider à interpréter le contenu de l'exposition de manière critique et éclairée. Une médiation humaine de qualité peut transformer une simple visite en une expérience mémorable et transformative. Le personnel d'accueil du musée du Louvre, par exemple, est formé pour accueillir les visiteurs du monde entier, répondre à leurs questions et les orienter efficacement dans les vastes collections du musée.
Il est également possible de mettre en valeur de manière créative des exemples d'interactivité "invisible". Ce sont des éléments scénographiques subtils qui réagissent de manière sensible à la présence physique du visiteur, par exemple en modulant l'éclairage, en diffusant un son particulier ou en déclenchant un mouvement inattendu. Par exemple, l'intensité lumineuse d'une œuvre d'art pourrait augmenter progressivement lorsque le visiteur s'en approche, ou un son discret pourrait se déclencher lorsqu'il pénètre dans une pièce particulière. Ces interactions discrètes et intuitives peuvent créer un sentiment de surprise agréable et d'engagement accru, sans nécessiter une manipulation active de la part du visiteur.
Exemples concrets : analyse de cas inspirants
Pour illustrer concrètement les principes fondamentaux de la scénographie narrative, il est particulièrement instructif d'analyser des exemples concrets d'expositions récentes, innovantes et variées. Nous examinerons de près comment différentes approches de la conception scénographique contribuent de manière significative à la transmission efficace du message clé et à l'engagement actif du public. Nous étudierons notamment l'agencement de l'espace, la conception de l'éclairage, l'utilisation du son, l'intégration de dispositifs interactifs et l'impact global sur l'expérience du visiteur.
Exposition A : reconstitution immersive d'une ville médiévale
Imaginez une exposition ambitieuse qui reconstitue avec une précision saisissante une rue typique d'une ville médiévale florissante, avec ses maisons à colombages pittoresques, ses échoppes animées et ses artisans affairés. Les visiteurs peuvent se promener librement dans cette rue reconstituée, écouter attentivement les sons authentiques de la ville (cris des marchands ambulants, bruits d'outils d'époque), sentir les odeurs caractéristiques (épices exotiques, cuir tanné) et interagir avec des acteurs costumés qui incarnent des personnages médiévaux hauts en couleur. L'espace est méticuleusement conçu pour créer une immersion totale dans l'époque. L'éclairage est volontairement tamisé pour simuler la lumière des bougies et des torches. Des dispositifs interactifs judicieusement placés permettent aux visiteurs d'en apprendre davantage sur les différents métiers artisanaux et les aspects fascinants de la vie quotidienne au Moyen Âge.
Le récit central de cette exposition immersive est de faire revivre de manière réaliste l'atmosphère vibrante et la vie quotidienne trépidante d'une ville médiévale. L'espace est conçu comme un véritable décor de théâtre grandeur nature, avec une attention particulière portée aux détails réalistes et à la création d'une ambiance immersive captivante. L'éclairage est utilisé de manière stratégique pour créer une atmosphère mystérieuse et intime. Le son est omniprésent, avec des bruits de la ville, des musiques d'époque et des voix off de narrateurs. L'interactivité est proposée à travers des jeux de rôle, des bornes tactiles interactives et des rencontres fortuites avec des acteurs costumés. L'impact global sur le public est puissant, car l'exposition parvient à transporter le visiteur dans le passé et à lui faire vivre une expérience unique, éducative et mémorable.
Exposition B : scénographie minimaliste pour l'art contemporain
À l'opposé de l'exposition précédente, certaines expositions d'art contemporain ambitieuses misent délibérément sur une scénographie minimaliste et épurée pour laisser pleinement la parole aux œuvres exposées. Les murs sont peints en blanc immaculé, l'éclairage est neutre et discret, et les objets d'art sont présentés de manière sobre, élégante et sans fioritures. L'objectif principal est de ne pas distraire l'attention du visiteur et de lui permettre de se concentrer intensément sur les œuvres d'art. Cette approche scénographique peut être particulièrement efficace pour l'art conceptuel ou l'art minimaliste, où la signification profonde de l'œuvre réside souvent dans sa simplicité radicale et son dépouillement formel.
Le récit de cette exposition est de mettre en valeur la puissance visuelle et la beauté intrinsèque des œuvres d'art contemporain exposées. L'espace est conçu pour être neutre, discret et non intrusif, sans éléments décoratifs superflus ou distrayants. L'éclairage est uniforme et soigneusement calibré pour mettre en valeur les formes, les couleurs et les textures des œuvres d'art. Le son est généralement absent, afin de favoriser la concentration et la contemplation silencieuse. L'interactivité est volontairement limitée, car l'objectif premier est de laisser le visiteur se confronter directement aux œuvres et d'encourager une interprétation personnelle et subjective. L'impact sur le public est plus subtil et introspectif, car l'exposition invite à une réflexion personnelle profonde et à une interprétation individuelle des œuvres. La Fondation Cartier pour l'art contemporain à Paris est réputée pour ce type de scénographie minimaliste et élégante.
Exposition C : exposition scientifique interactive pour les enfants
Les expositions scientifiques destinées aux enfants utilisent fréquemment des dispositifs interactifs ludiques pour expliquer des concepts complexes de manière accessible et engageante. Des maquettes manipulables, des jeux éducatifs, des expériences scientifiques interactives permettent aux enfants de manipuler activement, d'explorer concrètement et d'apprendre en s'amusant. La scénographie est généralement colorée, dynamique et visuellement attractive. L'objectif principal est de susciter la curiosité naturelle et l'intérêt pour la science chez les enfants. Une exposition captivante sur l'astronomie, par exemple, pourrait proposer aux enfants de construire une maquette du système solaire, de lancer des fusées miniatures en papier ou de participer à des jeux interactifs sur les constellations.
Le récit de cette exposition est de rendre la science accessible, amusante et engageante pour les enfants. L'espace est conçu comme un véritable terrain de jeu scientifique, avec des couleurs vives, des formes ludiques et des dispositifs interactifs variés. L'éclairage est clair, dynamique et stimulant. Le son est utilisé pour créer une ambiance joyeuse et énergique. L'interactivité est omniprésente, avec des jeux éducatifs, des expériences scientifiques et des simulations informatiques. L'impact sur le public est important, car l'exposition parvient à éveiller la curiosité scientifique des enfants et à leur donner envie d'en apprendre davantage sur le monde qui les entoure. La Cité des Sciences et de l'Industrie à Paris est un excellent exemple de ce type d'exposition scientifique interactive pour les jeunes.
Les défis et les tendances de la scénographie expositionnelle
La scénographie expositionnelle est un domaine créatif en constante évolution, confronté à des défis importants et porté par des tendances novatrices. Le budget souvent limité, l'accessibilité universelle, la conservation des œuvres précieuses et la durabilité environnementale sont des enjeux majeurs, tandis que l'immersion hyper-réaliste, la participation active du public, la personnalisation poussée de l'expérience visiteur et la scénographie éphémère transforment les pratiques traditionnelles.
Les défis
Le budget est un défi permanent et récurrent pour les scénographes. Il est souvent difficile de trouver un équilibre délicat entre l'ambition créative débridée et les contraintes financières réalistes. Les musées doivent optimiser au maximum leurs ressources limitées et trouver des solutions innovantes et créatives pour réaliser des expositions de qualité avec des budgets souvent restreints. La recherche active de sponsors et de mécènes peut être une source de financement complémentaire précieuse.
L'accessibilité universelle est un enjeu crucial qui ne peut plus être ignoré. Les expositions doivent être conçues dès le départ pour être inclusives et accessibles à tous les publics, y compris les personnes handicapées (qu'il s'agisse de handicaps moteurs, sensoriels ou cognitifs), les enfants en bas âge, les personnes âgées et les publics éloignés de la culture pour diverses raisons. Cela implique de prendre en compte avec attention les besoins spécifiques de chaque public en matière de mobilité physique, de communication sensorielle et de compréhension cognitive. Par exemple, une exposition sur l'histoire de la musique doit proposer des dispositifs adaptés aux personnes sourdes ou malentendantes, tels que des sous-titres, des transcriptions en langue des signes ou des vibrations tactiles. De plus, l'accessibilité cognitive est un élément crucial : il s'agit de rendre la narration claire, simple et compréhensible pour tous, en utilisant un langage épuré et des visuels explicites. Les musées doivent s'efforcer de proposer des expositions universellement accessibles qui profitent à tous les visiteurs.
La conservation rigoureuse des œuvres d'art et des objets historiques exposés est une priorité absolue pour les conservateurs. Les scénographes doivent concevoir des environnements d'exposition qui protègent efficacement les œuvres contre les dommages potentiels causés par la lumière ultraviolette, les variations de température et d'humidité, la poussière, les manipulations maladroites et le vandalisme. Il est essentiel de respecter scrupuleusement les normes de conservation en vigueur et de collaborer étroitement avec les conservateurs pour garantir la pérennité à long terme des collections. Trouver un équilibre harmonieux entre la création d'un environnement immersif et la nécessité impérieuse de protéger les œuvres fragiles peut être un défi délicat à relever.
La durabilité environnementale est un enjeu de plus en plus important pour les musées. Les musées doivent adopter des pratiques éco-responsables dans la conception et la réalisation des expositions, en utilisant des matériaux recyclés et recyclables, en réduisant la consommation d'énergie et en limitant la production de déchets non recyclables. La *scénographie éphémère peut être une solution intéressante à condition d'être conçue de manière durable, modulaire et réutilisable. Il est également important de sensibiliser le public aux enjeux environnementaux cruciaux à travers le contenu des expositions.
Les tendances
L'immersion hyper-réaliste est une tendance de fond. La réalité virtuelle (VR), la réalité augmentée (AR) et la projection immersive permettent de créer des expériences plus immersives que jamais, en transportant le visiteur dans des mondes virtuels convaincants ou en superposant des informations numériques pertinentes au monde réel perçu par ses sens. Ces technologies de pointe offrent des possibilités infinies pour enrichir la narration et stimuler l'engagement du public. Le musée du Louvre à Paris a récemment utilisé la réalité virtuelle avec succès pour permettre aux visiteurs de découvrir le tableau de la Joconde sous un angle inédit, en explorant les différentes couches de peinture et en découvrant les secrets de l'atelier de Léonard de Vinci.
La participation active du public est une autre tendance importante. Les musées cherchent de plus en plus à encourager le visiteur à devenir un acteur à part entière de l'exposition, en lui offrant des possibilités de contribution, de création personnelle et de partage d'expériences. Des ateliers créatifs, des performances artistiques participatives, des installations interactives permettent aux visiteurs de s'exprimer librement, de collaborer avec d'autres et de s'approprier le contenu de l'exposition de manière significative. Le public n'est plus un simple spectateur passif, mais un participant actif et engagé. Les Fab Labs (laboratoires de fabrication numérique) peuvent être intégrés aux musées pour permettre aux visiteurs de concevoir des objets originaux et de prototyper des idées innovantes.
La personnalisation poussée de l'expérience visiteur est une tendance émergente. L'objectif est d'adapter la narration et la scénographie aux intérêts et aux besoins individuels de chaque visiteur. Des applications mobiles personnalisées, des dispositifs interactifs intelligents et des systèmes de recommandation sophistiqués peuvent être utilisés pour proposer des parcours de visite individualisés et des contenus adaptés aux préférences de chacun. L'intelligence artificielle (IA) peut être utilisée pour adapter dynamiquement le contenu de l'exposition en temps réel, en fonction des interactions du visiteur et de son comportement. Par exemple, une exposition d'art moderne pourrait proposer des œuvres différentes à chaque visiteur, en fonction de ses goûts artistiques et de son niveau de connaissance.
La scénographie éphémère et transformable est une solution prometteuse pour limiter l'impact environnemental des expositions et faciliter leur adaptation à différents contextes spatiaux. Les expositions modulaires et réutilisables peuvent être facilement démontées, transportées et remontées dans différents lieux, réduisant ainsi considérablement les coûts de transport et de stockage. Les matériaux légers, recyclés et recyclables sont privilégiés. Cette approche permet de réduire les coûts globaux et de limiter la production de déchets. Elle permet également de créer des expositions évolutives, qui peuvent être modifiées et adaptées en fonction des besoins du public et des contraintes spécifiques du lieu. Le nombre d'artistes exposant pendant la FIAC (Foire Internationale d'Art Contemporain) en 2023 est de 175, contre 168 l'année passée, soulignant l'importance des expositions temporaires.
En 2023, le coût moyen d'une exposition temporaire en France peut varier considérablement, allant de 50 000 € pour une petite exposition locale dans un musée municipal à plus de 15 millions d'euros pour une exposition internationale de prestige dans un grand musée national comme le Louvre. La fréquentation moyenne des musées français est d'environ 100 000 visiteurs par an, mais certains musées attirent plus de 10 millions de visiteurs par an. La durée moyenne d'une exposition temporaire est de 3 à 6 mois. Le nombre d'expositions temporaires organisées chaque année en France est estimé à environ 2 000. Le budget moyen alloué à la scénographie représente environ 20% à 30% du budget total d'une exposition.